展览预告 | 引川--历届中国摄影金像奖四川获奖艺术家摄影作品联展即将开幕

四川美术馆

展览时间

开幕时间：2023年10月27日上午10:00

展览展期：2023年10月27日--11月19日

展览地点

四川美术馆（成都市青羊区人民西路6号）

指导单位

四川省文学艺术界联合会

主办单位

四川省摄影家协会

四川美术馆

展览序言

Exhibition preface

影痕艺道

——序“历届中国摄影金像奖四川获奖艺术家摄影作品联展”

吴永强

（艺术评论家，四川大学教授，博士生导师）

中国摄影金像奖是中国摄影艺术的最高奖，今天，我们有幸邀请到迄今为止荣获过金像奖的我省11摄影家在此联合举办展览，目的不是为了重新表彰他们昔日的成就，而是为了展示他们在艺术田地上的持续耕耘。按照得奖的先后年份，这11位摄影家的名字分别为：王达军、王瑞林、林强、田捷砚、刘应华、王建军、陈锦、杨建川、杨麾、郭际、金平。他们通过作品在此聚首，可创造一个机会，让我们得以抚今追昔，重温四川当代摄影史的点滴，同时收获到新的惊喜。

博伊斯（Joseph Beuys）曾经宣告说，“人人都是艺术家”，如果我们还有理由对此将信将疑，那么，如今，却不得不率先承认人人都是摄影家了。在数码技术的加持下，摄影早已成为大众日常经验的一部分。这意味着，今日的专业摄影家比任何一个时代都面临更尖锐的挑战，影痕与艺道之间的距离也变得越来越长。可幸今天参展的11位摄影家一直将艺术视为其身份认同的共有依据。而且，他们深知，岁月常新，艺术常新，只有不断思进，才能赶上时代的步伐，告慰自己身负的使命和曾经有过的荣誉。他们一致同意将自己的作品放到美术馆来展览，就是为了将艺术作为一个公共尺度，接受观众的打量和评判。

王达军1992年获第二届金像奖，是最早获此殊荣的四川摄影家。他对人文风光情有独钟。此次展出的6件色彩风景作品《梦幻熊猫海》《蓝色五彩池》《秘境》《心中的雪》《天书》《山悟》，反映了王达军在该主题领域探索的新动向。与过去一样，这些作品取材于青藏高原的极地风光，足以把观者引入险途，见证异境。但是，我们发现，摄影家探险“思·语·诗”平衡的路途走得更远了，以至于把我们领到了哲学的边缘。在这一组作品中，红或蓝的色域构成，给出了真实可见的图像，可是，暗室般的影调、明灭的光线以及趋近抽象的具象、透明的画面，却让人顿生空无之感。凭着宏观与微观之间大跨度的辩证法，画面捕捞了鸿蒙中的幻影，同时又好像突然叫停了周遭世界的声音，悬置了其色彩，让观影者生出期待，觉得自己就要看见“色即是空”的模样了。

王瑞林是1999年第四届金像奖得主。作为一位资深的体育摄影记者，他主要在各项赛事和训练场上挥洒才情，其中包括球类、体操类、田径类的世界杯、世锦赛等世界级专项赛事和世界大学生运动会、全运会、国际越野挑战赛等综合性赛事。作为曾经的运动健将，王瑞林的运动感知天赋异禀，能够以兔起鹘落的速度，将赛场上稍纵即逝的事态定格下来。往往才见上一个动作，就对下一个动作有了预感。他凭预感按下快门，收获的却是变化发生时的成像。在其镜头之下，赛场上的腾挪跌宕，运动员的起跳、飞跃和冲刺，以及得分时的欢乐、最终胜出时的狂喜，只在眨眼间就完成了瞬时向永恒的转变。它们记录了摄影家与运动员共同的在场，持存了爆发力，充满了运动节奏，因而在显现其新闻的锐度和经典的历史价值之外，同时成为富有感染力的艺术作品。

林强身兼多种才艺，同时有一颗大爱的心。他在体育、文学、摄影领域和慈善事业方面均有出色表现。在摄影领域，他获得了2007年第七届金像奖。林强的才情总是伴随着慈善行为共同发光发热，所以，其摄影艺术也不应被单独看待。除了写照祖国山河之美和时代新变，林强最大的习惯是把镜头对准那些需要扶助的人们，无论是凉山麻风村的居民、藏区患白内障失明的老人，还是川北高寒山区冬日里盼着取暖的孩子……其镜头所至，善亦至焉，画中人面临的困境也在他的奔走下得到了根本改善。可见，林强的摄影具有鲜明的述行特征，既反映了生活，又惠泽了生活，体现了现实主义艺术的强大威力。本次展出的作品再现了偏远村校中的孩子们就地取材进行体育活动的情景，画面质朴自然，饱含爱心关注；而黑白的影调却告诉我们，这已经是难以重回的过去。

田捷砚与林强一道获得了2007年第七届金像奖。他毕业于解放军测绘学院，在军旅中成长，酷爱航空摄影。从上个世纪90年代中期起步入航拍生涯。他在28年中，先后搭乘9种型号的直升机，穿越中国西部12个省区，从空中掠影大地，被誉为“中国西部航拍第一人”。他屡次飞临可可西里、帕米尔高原、西藏阿里无人区等极险地域的上空，以8千多个120反转片，64个T的数字文件，系统地捕捉了中国西部五大高寒地带的自然壮观；此外，他也不忘留影大地上的疮痍，倾注自己对生态和环保的关注和忧思。但不论表现何种主题，也无论依靠黑白还是借助色彩，田捷砚的作品都在第一时间带给我们震撼。画面中辽远的时空、运动的视线和奇异的景象，不但改变了我们对地景地貌的惯常认知，而且带给了我们崇高美学的洗礼，直到我们杂念消尽，心中只剩下敬畏与空明。

刘应华是2008年第八届金像奖得主，他不仅是一名军事摄影家，也是一名航空摄影家。与田捷砚不同的是，刘应华是乘坐歼击机在雪域高原、红土高原和雾都山城实施空对空摄影的第一人。他与歼击机飞行员同乘新型战机，于万米高空翱翔驰骋，在战机高空高速、人体失重超载的情况下，捕捉一个个精彩瞬间。其创作的系列摄影作品难得珍贵，让读者能以飞行员的独特视角，感受到疾风呼啸而过，音浪追随身后，战机编队飞越雪山草原、大漠戈壁、江河湖海呈现的壮美，使长年深厚的艺术积淀在云海浪端得到激发升华。作品以战机的视野掠影战机之所在，通过运动的视角转换，展现出辽阔的苍穹、矫健的战鹰和苍茫大地的图景，构成了人类造物与宏大自然共振的奇观。作品既有军事新闻的价值，又有艺术摄影的意趣。其韵律化的色彩、光线与构图处理，赋予了画面以诗意的气质，谱写出人民空军加快战略转型建设，迈向世界一流空军的气贯长虹的史诗。

王建军也是久经部队历练的摄影家，2012年获第九届金像奖。他酷爱西部风光，执着于其人文地理探索及艺术转化。他无数次踏上西行之旅，不但行走中国西部，而且行走美国西部。沿着黄河流域向西，他探源中华母体文化的奥秘；围绕亚利桑那州、内华达州和加里福尼亚州一线的荒漠戈壁，他索解美国西部的人文底蕴。他发现，中国西部风光“离‘天’很近”，美国西部风光“离‘地’很近”。于是，他常用灰色调把前者演化为“天人合一”的精神意象，而用亮色调把后者留存为沧海桑田的视觉证据。在此，西部既是空间存在，也是时间载体。大洋两岸西部大自然对比强烈的影像，乃是两种历史文化各自堆积的地理表达。而促成其差异性的文化基因，又继续把摄影家引向问道归一的无限进程，使他得以用空间换时间，直到其镜头中开始露出天地玄黄的影调。

与王建军一道，陈锦分享了2012年第九届金像奖。他以记录市井生活的民俗摄影著称，曾出版有《市井中国》纪实摄影集。其中最原始、最有名的部分，是作者深入家乡成都100多家老茶馆拍摄的《茶铺》系列。作为农耕时代成都市井文化的特色现象，这种老茶馆曾经遍布成都街头巷尾。陈锦的作品拍摄自上个世纪八九十年代，那时老茶馆还十分兴盛。作者通过现场抓拍茶馆内外的日常情景，将纪实性赋予其镜头所向。照片上人物随意自然，环境客观实在，气氛生动逼真。同时，作品以所摄场面众多、内容丰富而构成系列，演绎出照相叙事，如同一部纸上纪录片。而黑白镜头的运用，又为之赋予了怀旧色彩。特别是在老茶馆近于绝迹的今天，怀旧，便成了该作品的主要调性。这样，它就愈加脱离了纪实摄影的牵绊，在艺术摄影的天地里找到了位置。

杨建川是2015年第十届金像奖得主。他以戏曲摄影见称。这个念头是他在一场戏曲讲座上偶然接触到昆曲而萌发的。此后，他首先花了三、四年时间学习昆曲和古典文学，为的是播种灵苗，涵养悟性，探索摄影语言与戏曲语言互动融合的可能性。在具体创作中，杨建川放弃纪实手法，采用快门、慢门、推拉摇移、二次曝光等手段，解构舞台实景，创生新的效果，竭尽所能地实现摄影语言对戏曲艺术神韵的内在转化。在他的作品里，走位的演员拖着梦幻的余影，迷蒙的色光吐出阵阵氤氲，人物、道具、背景贯穿着动感旋律。画面寓动于静，虚实相生，诞生出空灵的意境。同时，戏曲中做念唱打的节奏、乐舞的旋律在此发生了光移影动的转译，它把舞台摄影从惯有的纪实主义拓进到了表现主义领域，从而重返了中国传统美学的母怀，体现出对戏曲精神的了悟。

杨麾是2016年第十一届金像奖得主。他把自己定义为时代的记录者。他一直立足于家乡南充，采用传统的纪实手法，忠实地记录身边的日常。芸芸众生在其镜头中留下了他们彼时的音容。杨麾尤其牵挂那些来往于嘉陵江岸边的过客，早在上个世纪80年代初，他就开始把镜头对准这些为生存忙碌的人们。他们是江中渡船上的过客，也是匆匆时光中的过客。依据拍摄时间，照片分出了若干篇章。例如经30多年拍摄成的《泥泞路上的人们》，经10多年拍摄成的《嘉陵江畔的挑夫》。一个系列就是一个时代的见证，时代结束了，拍摄也随之结束。本次展出的《嘉陵江畔》便组合自各个系列的片段，时间分布达30多年，却足以代表杨麾记录众生的底蕴。画中人是大时代的小人物，他们虽然微不足道，但却是使大时代超越宏观与抽象，返归于微观和具象的关键角色。

郭际也是2016年第十一届金像奖得主。他曾经以身涉险途的极限摄影博得了“疯狂摄影师”称号。其意象化的巨幅风景摄影，以恢弘的壮观、混沌初开的气象，带着泼墨般的酣畅和远逸的空灵，显示了东方传统美学驾驭摄影媒介的能力。可是，出于艺术家创新与创造的天性，郭际总是不肯止步于既有的成就。本次提供的4件作品偏离了其风格上的轻车熟路，开辟出一派“元艺术”景象。这是关于艺术的艺术，因为其题材本身就是艺术品——一组指向装置艺术，一组指向大地艺术。在这两组作品中，我们依次见到人行其中的机器森林和月夜下爬出坟茔的人影。前者象征了我们在世无奈的纠缠，后者幻化出我们死后不甘的幽灵。而时装店里的模特道具所赋予的人形，又另成隐喻，让人深感，在世的浮华需要付出忙乱的代价，劳碌的人生换不来灵魂的安息。

金平于2018年获第十二届金像奖。他的作品或者以传统文化和民间手工艺为题材构成“元艺术”景观，或者将极限大自然凝固成像。但两者都至深地牵挂着人类的生态，一个关于人文生态，一个关于自然生态。此次带来的10件作品属于后者，它们以黑与白的光影记录了摄影家亲临喜马拉雅山卓奥友峰和东绒布、西绒布冰川调查全球温室效应极限作用力时之所见。这些景象统统来自海拔八千米以上的高地，人们称其为生命禁区。尽管其中只有一幅画面孤身地留有人类的背影，可是，在其全部画面中，我们却感受到作者重返洪荒之世的身体在场。随着他小心翼翼地移动脚步和远观近察，我们也跟着屏住了呼吸，因为冰封的天地和凝冻的光线，仿佛再多一点刺激就会冰消成水。画面寂静一片，可是，在无边的寂静中，忧思，如悬挂的冰凌，曝露出了流水的轨迹。

粗读了这11位摄影家的作品，我突然记起美国女摄影家黛安·阿勃斯（Diane Arbus）的一句话：“我之所以拍照片，是因为如果我不拍这些东西，人们就会视而不见。”阿勃斯被誉为“摄影界的梵高”，她的话言为心声，值得重视。照我看来，所谓“视而不见”，其起因在于“视”不等于“见”，而更确切的说法应该是“看”不等于“知”，正如黑格尔的精神现象学告诉我们的：“熟知的东西，不是真正知道的东西，因为它是熟知的。”看过这11位摄影家的作品，也许我们会再一次发现自己有太多的视而不见。我们之所以会视而不见，还有一个原因在于，我们的肉身是一种典型的时间之“在”，而无情的时间只允许我们匆匆地“看”。这样看来，我们第一个要感谢的，就是摄影术了。是摄影术的发明，才使我们开始有了“知”的空间——当拍摄者按下快门，把观看托付于镜头，他们看到了肉眼无法看见的东西，而且还能够在时光流过之后，翻看那些已经死去的“既在”。这时，我们发现自己第一次确切地有了“知”的起点。

阿勃斯又曾说过：“照片是关于秘密的秘密，它告诉你越多，你知道的就越少。”幸运的是，虽然本次展览上展出的11位艺术家的作品让我们温习了一次从“看”到“知”的经历，但它们并未直接揭晓我们欲“知”的答案。在光与影、物与像、形与色、张与弛、虚与实结构成的视像中，这些作品欲言又止，不肯吐露更多的秘密。因此，不管使用了何种手法，表现出何种风格，它们都因为其持有秘密而脱离了其原有的功能身份，其结果是将艺之道流露于影之痕，认同了艺术的身份。这样，它们就足以放心地在美术馆里登堂入室了。

当代美国女作家苏珊·桑塔格（Susan Sontag）说：“所有照片都是死亡的象征。拍照片就是参与到另一个人（或物）的死亡、脆弱和易变之中。正是通过分割此刻并将其疑固，所有照片都证实了时间的无情流逝。”可是，如果我们反用其意，把摄影定义为抗拒死亡的象征，其理由也是充分的，因为枯萎的植物曾经播下过未来的种子，上一轮死亡止不住下一轮的新生。本次展览的作品证明了，其创作者是用了抵抗死亡的态度来对待自己的摄影创作的。他们一次又一次地捕获世上的光影，不是为了去悲悼那些注定消逝的时刻，而是希望去认证某种不变的价值。这种价值就是生也有涯，其至无边。

2023年9月29日，于四川大学

（转载于四川省摄影家协会微信公众号）

审核：刘克萍、刘忠俊

发布：推广传播部

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